Colloquium Cum: Elianni Di Gregorio
- Jose Rafael Rojas Burgos
- 9 feb
- 8 Min. de lectura
Entrevista escrita con Skartista, artista venezolana.
Praenotanda
Elianni Di Gregorio— Skartista, como pseudónimo artístico— es médico de profesión y artista por convicción. Desde ese cruce de saberes, su obra busca despertar conciencia social, ambiental y pictórica, en la sociedad venezolana.
Mi primer acceso a su corpus artístico, abril de 2025, me inclinó a indagar del acervo teórico social, artístico y filosófico, que fundamenta su cosmovisión. Gajes del oficio. Una vez el germen de la curiosidad comenzaba a dar pasos, un factor que me apasionó fue el hecho de que, desde la pintura, una joven latinoamericana contemporánea decidiera impactar y reenfocar su entorno: algo inusual hoy.
Con la ilusión de niño y prudencia de adulto, le remití un mensaje formal en el que la convidaba a una entrevista escrita de cinco preguntas. Aceptó: he aquí el resultado completo.
Primera Pregunta
A lo largo del tiempo ha circulado la reflexión según la cual no es tanto lo que el artista hace lo que resulta decisivo, sino aquello que es. Desde esta perspectiva, y entendiendo la identidad profesional como un proceso dinámico y no lineal,
¿podrías identificar tres hitos o aspectos fundamentales de tu trayectoria profesional que hayan sido determinantes en la configuración de tu identidad artística, y explicar de qué modo cada uno de ellos ha contribuido a definir tu posicionamiento profesional y conceptual como artista?
Respuesta
Mi identidad como Skartista -mi Pseudónimo artístico- es el resultado de un proceso de adaptación y resistencia, donde la realidad del entorno ha dictado la evolución de mi concepto artístico. Mi posicionamiento no surge del confort, sino de la necesidad de hallar sentido en medio de la precariedad.
Si tuviera que mencionar el hito más determinante en mi evolución artística, diría que fue el colapso financiero en Venezuela, cuando la hiperinflación convirtió nuestra moneda en papel de desecho. Ante la imposibilidad de adquirir lienzos tradicionales, decidí intervenir los bolívares devaluados. Este acto no fue solo un ejercicio de reciclaje, sino una reclamación ontológica: al pintar paisajes idílicos de mi nación sobre el papel moneda, logré que el espectador desplazara su mirada del trauma económico hacia nuestra riqueza natural y cultural. Este hito definió mi posicionamiento como una artista que utiliza el soporte para sanar la percepción colectiva, devolviéndole la dignidad a lo que el sistema dio por perdido.
Asimismo, este proceso de intervenir el cono monetario me llevó a entender el arte como un contenedor de memoria. Mi identidad se consolidó al reconocer que el territorio no es solo el espacio geográfico, sino el sedimento de vivencias compartidas. Dejé de percibir lo que hago como una representación individual y aislada de mi cosmovisión, y empecé a darle un sentido plural, entendiendo mi expresión como parte de un movimiento histórico más grande; donde cada pieza busca rescatar la valía de una sociedad que, pese a la adversidad, se niega a olvidar sus raíces y su esencia estética.
Un tercer hito fundamental fue la transición del paisajismo al retrato minucioso de personajes icónicos sobre el papel moneda. Esta evolución conceptual permitió asentar mi premisa más sólida: el verdadero valor de una nación no reside en su moneda, sino en el capital humano y el aporte cultural de su gente.
Esta reinterpretación del valor fue el catalizador que me permitió trascender el hobby para convertirme en un referente de identidad nacional, otorgándome el reconocimiento necesario para ingresar a salones y galerías internacionales, posicionando mi obra como un testimonio dinámico de la Venezuela contemporánea.
Segunda pregunta
«El arte es 90 % pensamiento y 10 % obra realizada con las manos», sostiene Jac Leirner, subrayando la primacía de las ideas que sustentan la práctica artística por encima de la mera destreza técnica.
A la luz de este marco conceptual, ¿qué autores, corrientes artísticas o marcos teóricos han influido de manera significativa en tu trabajo, tanto en el plano intelectual como en tu formación técnica, y qué rasgo consideras que singulariza o define con mayor claridad tu práctica artística?
Respuesta
Coincido plenamente con la premisa de Leirner; en mi caso, la técnica es el vehículo, pero el pensamiento es el motor. Mi trabajo dialoga con el Arte Conceptual, específicamente con la noción del objet trouvé (objeto encontrado), pero bajo la ética del Realismo Social Latinoamericano. En este sentido, podría mencionar como un referente al maestro venezolano César Rengifo, admiro su mirada hacia "lo nuestro" y la convicción de que el artista debe ser cronista de su tiempo. Al igual que Rengifo daba voz a los desposeídos, yo busco rescatar la dignidad del país utilizando el bolívar como lienzo para la denuncia y la esperanza.
La teoría del valor y la memoria de autores como Walter Benjamin han sido fundamentales para mí. Su reflexión sobre la pérdida del "aura" en la reproductibilidad técnica me llevó a la conclusión inversa: al intervenir manualmente un billete (un objeto producido en serie), le devuelvo su carácter de pieza única e irrepetible, dotándolo de un nuevo valor espiritual que trasciende su valor nominal nulo.
Por otra parte, mi obsesión por la destreza técnica nació en la infancia cuando descubrí el Renacimiento. Mi formación autodidacta ha estado marcada por el estudio de la atmósfera y el sfumato de Leonardo da Vinci, buscando replicar ese claroscuro que otorga volumen y misterio.
Asimismo, la percepción de profundidad y el equilibrio compositivo de Rafael Sanzio son pilares en mi obra. Aplicar este rigor técnico renacentista en un formato tan ínfimo como un billete es un acto de resistencia: para mí, es llevar la "majestuosidad" de la historia del arte al plano de la emergencia económica actual.
Mi rasgo distintivo es, quizá, la yuxtaposición de escalas y tiempos: utilizo la técnica clásica del siglo XVI para retratar la identidad del siglo XXI sobre un soporte que ha perdido su valor de cambio. Busco que mi práctica transforme el papel moneda de un símbolo de crisis en un objeto de culto artístico.
Esta paradoja visual genera una intimidad reflexiva que obliga al espectador a revaluar no solo el billete, sino la riqueza cultural y humana que este ahora representa a través de pinceladas de óleo.
Tercera Pregunta
Plantea Aristóteles que «Todos los hombres por naturaleza desean saber. Señal de ello es el amor a las sensaciones. Estas, en efecto, son amadas por sí mismas, incluso al margen de su utilidad y más que todas las demás, las sensaciones visuales» (Metafísica, I, 1).
Desde el núcleo de tu práctica pictórica, ¿qué tipo de sensaciones buscas suscitar en el espectador y qué formas de comprensión, reflexión o conocimiento aspiras a articular a través de la experiencia visual que proponen tus obras?
Respuesta
En mi práctica, la sensación visual no es un fin en sí mismo, sino el umbral hacia una comprensión más profunda de nuestra realidad. Siguiendo la premisa de Aristóteles, utilizo la primacía de lo visual para activar un proceso de conocimiento que transita por la reflexión. Lo primero que busco suscitar es una curiosidad táctil y visual. Al trabajar en miniatura sobre un soporte tan cargado de historia como el billete, obligo al espectador a una proximidad forzada. Esta sensación de intimidad rompe la distancia contemplativa tradicional de la galería; el espectador debe "entrar" en el microcosmos del billete. Esta experiencia visual busca rescatar la capacidad de asombro que la crisis económica suele erosionar, recordándonos que incluso en lo pequeño y despreciado reside la belleza.
Aspiro a articular un tipo de conocimiento que llamo "reflexión por contraste". El espectador experimenta una tensión sensorial al ver la delicadeza de un claroscuro renacentista o la serenidad de un paisaje venezolano plasmados sobre un objeto que simboliza fracaso y escasez. Esta disonancia busca transformar la sensación de tristeza económica en una de orgullo cultural. El conocimiento que se articula aquí no es numérico ni financiero, sino un saber ético y estético: la comprensión de que el valor es una construcción humana y que el arte tiene el poder de reasignarlo.
Finalmente, a través de la precisión en los rostros y paisajes, busco generar una sensación de reconocimiento. Aspiro a que el espectador, al observar un personaje icónico o un paraje nacional, no solo vea una imagen, sino que acceda a un archivo emocional.
La experiencia visual que propongo funciona como un espejo donde el connacional se reconoce más allá de la estadística migratoria o inflacionaria, articulando un saber colectivo sobre quiénes somos y qué es lo que realmente permanece cuando la moneda pierde su fuerza.
Cuarta Pregunta
En 1968, durante su estancia en el Moderna Museet, Andy Warhol afirmó que «en el futuro, todos serán famosos mundialmente por quince minutos», una reflexión que ha sido interpretada como una crítica a la lógica de lo efímero y lo inmediato en la cultura contemporánea.
En este contexto, ¿cómo interpretas el uso de los billetes como soporte pictórico en tu obra y qué dimensión simbólica, crítica o conceptual adquieren los bolívares en relación con los sujetos u objetos que representas?
Respuesta
La profecía de Warhol resuena con fuerza en la lógica del consumo y la inmediatez de la economía global. Sin embargo, mi obra propone una subversión de esa temporalidad. Mientras que la economía contemporánea condenó al bolívar a una obsolescencia fulminante, mi intervención pictórica busca otorgarle una temporalidad extendida y trascendente.
Frente a la "fama de quince minutos", mi obra propone la memoria de larga duración. El objeto (el billete) era efímero por su pérdida de poder adquisitivo, pero al ser intervenido con personajes que definieron nuestra identidad, el bolívar se transforma en un archivo para la historia.
La relación entre el soporte y lo representado es una declaración de principios: los gobiernos y sus economías pueden fallar y ser olvidados, pero el aporte humano y el patrimonio natural que pinto sobre ellos son los únicos valores que permanecen inalterables.
La dimensión simbólica de los bolívares en mi trabajo es la de un territorio en disputa. Al representar rostros icónicos y paisajes nacionales sobre una moneda devaluada, genero una tensión conceptual: el sujeto representado (el prócer, el artista, el ciudadano) posee un valor ético y humano que la moneda ya no puede cuantificar. Aquí, el billete adquiere una carga irónica; se convierte en un pedestal de papel que, aunque físicamente frágil y económicamente nulo, sostiene la grandeza de nuestra historia.
Quinta pregunta
«Hay muertos que van subiendo cuanto más su ataúd baja…», escribió Manuel del Cabral, aludiendo a la persistencia de la memoria y al legado que una persona u obra puede dejar más allá de su tiempo inmediato.
Desde esta perspectiva, ¿cuál consideras que es el aporte más relevante de tu producción artística a la sociedad latinoamericana y de qué manera crees que puede contribuir al fortalecimiento de las humanidades, particularmente entre las generaciones más jóvenes?
Respuesta
El aporte más relevante de mi producción es la reivindicación del valor propio frente al colapso sistémico. En un contexto latinoamericano a menudo marcado por crisis cíclicas, busco demostrar que la identidad no es una mercancía sujeta a la inflación. Al transformar el papel moneda en un archivo de belleza y rostros ejemplares, ofrezco a la sociedad un recordatorio visual de que nuestra riqueza es intelectual y geográfica, no meramente fiduciaria. Mi arte actúa como un antídoto contra la desesperanza, convirtiendo un símbolo de derrota económica en un emblema de resiliencia y orgullo nacional.
Para las generaciones más jóvenes, quisiera que mi trabajo ofrezca una lección crítica sobre la materialidad y la historia. En una era de digitalización extrema y de lo efímero, que mi práctica les invite a detenerse y observar el detalle, a valorar el oficio manual y el estudio de los clásicos.
Busco contribuir a las humanidades al proponer el arte como una herramienta de análisis político y social, fomentando la apreciación de la técnica pictórica sobre soportes no convencionales. Así como también promuevo la conciencia histórica al retratar personajes icónicos, despertando la curiosidad de la juventud al preguntarse quiénes son esos "muertos que van subiendo" y qué legado dejaron, conectándolos con su genealogía cultural de una manera táctil y contemporánea.
En última instancia, mi obra aspira a enseñar que, incluso cuando las instituciones fallan, la capacidad humana de crear sentido y belleza permanece intacta. Ese es el legado que deseo proyectar: el arte como el último refugio de la dignidad humana.
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